混音是什么？为什么混音？

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混音（Mixing）是音乐制作中一项非常重要的工序，但是由于它的幕后特性，绝大部分普通听众对其了解甚少，因此我觉得有必要介绍一下。
混音的基本定义为：混音是一种对由录音、采样或者合成等方式形成的多轨声音素材的一种处理，即把这些多轨素材经过平衡和调整，混合为多声道的成品。“混音是对音乐的情感、创新理念和演奏进行的音响展现。”
由于掩蔽效应的存在，当多个不同的声音同时发声时，它们相互干扰、相互遮蔽。现在假设这样一个情况：我们现在身处一个现实环境里（周围有很多个声源），闭上眼睛（排除视觉的影响）去听周围的声音，努力去分辨其中的某个声音，同时摆一只传声器把这些声音录下来。在回放这一段录音时，我们会发现想要在这段录音里分辨出那个声音要更为困难。对于这一现象，有人用“鸡尾酒会效应（在自然听音环境下，人耳可以屏蔽掉其他声音有选择的放大自己想要听到的那个声音，是一种心理现象）”来解释，说这是因为“传声器和扬声器并没有人耳的这种选听能力”，这个理由显然是有问题的。既然人耳能在自然听音状况下对于所听目标有一定的选择性，那为什么偏偏在听录音制品时丧失了这个能力呢？问题的关键不在于“谁有鸡尾酒会效应”，而在于这份录音能否360度地忠实再现当时的声场环境。因此在上述情况中被忽略的一个关键因素就是，不管那份录音的保真度有多高，它也不过是单声道的！当很多个声音被挤压进一个单声道的重放系统中，自然会加剧它们之间的掩蔽效应。因此对于录音作品进行处理，使得不同的声部、不同的音乐元素之间的层次分明、清晰可闻，就成了唱片制作中必不可少的一步。这是混音要达到的目的之一。
立体声技术的出现，让音乐的重放在听者前面打开了一个60度宽的面，混音师可以在这样一个有宽度的虚拟舞台上摆放不同声部的位置，已经很大程度上缓解了这个问题，但是我们依然需要对每个声部做很多的均衡和压缩处理，才能让它们层次分明、清晰可辨。听过商业混音的分轨素材的人都知道，这是以牺牲每个单独的声部的音色为代价得来的。某个声部的音色单独听上去好听，跟其他声部合起来就未必好听了，反之亦然，混音要的不是个体而是整体。
其实早在古典音乐时代，就已经有了混音的概念。交响乐团里的乐器都是经过长期实践，精挑细选出来的，它们需要在音色上和数量上进行合理的搭配，以使得合奏起来能够得到融合的音响效果。使用不同音色的乐器进行搭配就像混音师调整均衡，增减某种乐器的数量、控制其演奏力度，就好比混音师控制推子。也就是说，古典音乐的混音基本上是在编曲、演奏的过程中就完成了的，录音师要做的主要是把它记录下来，后期做的处理不多。
现代流行音乐，基本都采用分期分轨的录音方法，如何将一堆不是同一时间、空间录制的分轨素材混合成为一个有机的整体，就完全靠混音来实现。因此，混音除了基本的音色上的修饰和声部之间音量比例的调整，还需要合理分布各声部在声场空间（深度和宽度）中以及在频谱尺度（高度）中的位置，利用延时、混响等效果器来塑造声音的空间感，通过音量自动化来控制乐曲的起伏，通过添加特殊效果来突显音乐的个性等。
从艺术角度讲，对于现代流行音乐而言，混音的好坏对于音乐整体的表现力和感染力有非常大的影响， 在某种程度上，混音师的角色就好比交响乐团的指挥，他的理解和演绎是对作品的再度创作。从商业角度讲，混音对于一张专辑的成败影响巨大。虽然一般听众并不能准确的说出某张唱片的混音好在哪里、不好在哪里，但是混音后所呈现出的整体音响效果的好坏是所有人都能感受到的。
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